在中国，油画的成长，相对于西方而言还是很年轻的。油画传到中国，最先登陆的地方是上海，徐家汇土山湾开始创办了由外国画家执教的油画工场，这也是中国第一个油画学习班。而后，一大批有志干油画艺术的青年远渡重洋，或去美国，比如说李铁夫；或去法国，比如说徐悲鸿、林风眠、刘海粟；或去日本，比如说倪贻德、关良、陈抱一等等。他们有的是正儿八经的留学，有的则是走走、看看的游学，待学成归来后，在上海形成了一个油画创作的热潮。他们创办了诸如“天马会”、“白鹅画会”、“决澜社”等美术团体和机构，同时积极投入创作。那时候，他们的团体活动，创作基本上都在上海，一时间，上海的美术创作，美术展览活动呈现一片繁荣景象。
纵观他们的油画创作，可以说是各呈风格、形式，每个人都有自己的特点。我想，这是否就是最早的“海派油画”？或者说是“海派油画”的源头？当然，我也无法，也没有资格来界定。不过，有一点我是坚信的，当下上海油画的状：兄无论形式、风格和理念等等，一定是从上世纪三四＋年代这条线发展而来的，换句话说，他们是有内在基因传承的。解放以来，我们学习俄罗斯、前苏联的油画，其油画风格、形式影响了整整一代人；文革的“高、大、全”，“红、光、亮”等观念，又使艺术偏离了方向。然而，上海油画骨子里的“洋派”，“小资”是无法挥之而去的。油画的罗曼蒂克、典雅、精致（不是描摹得毛发毕露的那种），是在适合其土壤中生长而成的。城市的建筑、都市的生活造就了郁德里罗、劳特累克；室內一隅的水池、浴缸、方桌台布的红酒香肠又孕育了博纳、维约尔。同样，上海这座城市也具备了培育这枝盛开异彩的油画之花的环境、空气和养料。
经历了各种运动，遭受了众多劫难的油画，最终被改革开放的浪潮激活。1979年1月《十二入画展》在上海举办，严寒的冰雪消融，预示着春天的来临；与之同年下半年在北京开幕的《星星画展》，同样是吹响了艺术进军的号角。然从参展的作品可以看到，他们艺术审美的取向截然不同，前者作品题材皆为风景、静物，历史故事等等，而后者多为讥讽现实，涉及时政等。从而更进一步显示出了上海画家的观念和对绘画的理解。我以为，上海的油画，从上世纪三十年代开始，就逐渐形成了对于这种审美的认知。保持强烈的个性，坚持艺术的品格，追求形式和意趣，崇尚文化及修养，是上海画家的追求，所有这些精神，从骨子里流入了上海画家的血液之中，代代相传。
去年在中国美院观看了建校86周年的回顾展。作品挂满了一个个展厅，就像是一个宏大的阅兵式，一队队队列从眼前经过那样。一幅幅油画作品展示了油画发展的历程，体现了各时期油画风格的演化。在二楼的一个展厅中陈列了林风眠、吴大羽、倪贻德、方幹民、庞薰栗等画家的作品，这些作品离我们至少七八十年历史，然依旧散发着浑穆的气息，大有风流独步的格调。他们的作品不大，却有着感动至人的大气象，让人流连驻足品味。
还必须说说我们的学校，那所曾经座落在上海西区凯旋路30号的美术学院。那个地方实在太小，除去两幢大楼和一幢老式的两层楼面的貌似“別墅’的建筑外，其余的都无法称道了。然我们却在“螺蛳壳里”做着油画的“道场”。在这里，我们可以追溯油画的源头，延续油画发展的传承。我们亦可看到各种风格、形式的追求，以及坚定的艺术守望。多少年来，全国各地的艺术人才在流动，从北方过来的，从西部移居的，形成了一个互相交流、融合的势态，从而又获取了一种兼容并进。让我们在沿承“海派”前进的道路上．得到了更多的收益。
当下，油画的推进，已不再是千军万马走独木桥了。有句话叫做“条条大道通罗马”，通往艺术的道路也不仅仅一条而已。这就要求我们每个油画家都要尽力地发挥自己的才情，找到自己发展的一条道路。油画创作需要我们对立意、形式、构图、色彩、气韵、趣味等方面的研究。自然的生机是我们追寻艺术机趣取之不尽的源泉和根本，修养的积累，气息的蓄养是油画创作的灵魂，而精神的贮存又是气息生生不止的原动主力。
守望前贤一代一代相传的艺术，沿承列朝大家贮养的气息，是我们这一代画家必须做到的。古人云“人之生，气之聚也，聚则为生，散则为死”，这也是从另一方面阐明了绘画聚气、蓄气的重要性。至于一所学校，目前的画坛，乃至整个时代，也需要将具有艺术气息的艺术家聚集起来，并形成一股涵涵大气，那么，重现油画的新局面也为期不沅了。
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我喜欢文字，就好像喜欢绘画一样。因此，常常在画了某一张画后，会有一种对于文字的；中动，于是，我会把我的审美取向和从自然界捕捉到的趣味、感觉等写在纸上，抒发一种性情；有时，也会在进行了一次旅行后，把眼见的山山水水，异域风情和当时的感受记录在笔下。
在一般人看来，画画和文章是两股道上跑的车，兩者是搭不到一起的。其实，画画和写文章是一回事，古人说，诗中有画，画中有诗，还有诗情画意等等，早就道出了这两个看似搭不到边的领域之间的关系。诗、文要有画意，绘画要有文气、诗情，当然这两方还有一个共同的追求，那就是一一境界。
我写文章和其他一些写作者不太一样，具体地，或者形象地说，我是在用文字“画画”，用文字描绘山川、人物乃至自然界的风貌、色彩、线条，包括细节等等。这样，在我的文章里就有了用文字塑形的方法和画面的表现。文章的述求是由一个一个连续的画面表达的，有时，文字的组合之间还会让人读出色彩。我更为在意的是文章的文字朴实而无花哨，畅通而无湍流，立意不是故作恣态，张牙舞爪，投入的是真情而不是假意。我想，文章的气息、境界、格调也在于此。我喜欢张岱的文字和性情：“湖上影子，惟长堤一痕，湖心亭一点，与余舟一芥，舟中人两三粒而已……”那是一个画面，是境界，是性情，也是一种气息；我也喜欢沈复的《浮生六记》，其“闺房记乐”、“闲情记趣”等，皆不娇柔，不造作。俞平伯评曰：“俨如一块纯美的水晶，只见明莹，不见衬露的颜色；只见精微，不见制作精微的痕迹。”俞平伯先生所见是也。
文章就应该是你真性实感的流露，是你审美品格的亮相。为文须真情实感而不无病呻吟，遣句须平实无华而不雕凿聱牙；达意将于字里行间升华，造境必有文中画面相连营造。
对于文章，我写的是心灵。
说说我的绘画吧。屈指一算，从十四五岁涂抹开始到现在，竟有了半个世纪。五十年来，由鲁莽、青涩渐渐枝叶茂盛、结滿果实。这一路走来，悬樑刺股，青灯黄卷，其间的艰辛、困惑，开悟……如鸭游水；令暖自知。无论油画、国画，对于它的审美追求，我寻找传统的诗性和境界，崇尚唯美与精神的融合而求得的升华。不受潮流所摇动，不为时尚所左右，坚持一条道走到黑。我于绘画注重的是精神，诗情，意境，还有形式和逐步形成的个人的绘画语言、风格。在营造画面中，我时常会闪现一种散文诗的朦胧感觉，或者是诗性的涌动，从而驱动了对于色彩，形式的独特的处理，慢慢地、慢慢地就形成了自己的绘画风格。
绘画的道路上，除了油画以外，还有一个和我一起行走的伙伴一一国画。我研究水、墨交融所产生的精神、意境，以及它们之间构成的笔情墨趣，更重要的是打造一种中西融合的形式，把意境悠远和厚重雄浑结合起来，使作品具有高雅、浪漫的精神气质。同时，亦把油画、诗境、国画互相糅化，以达你中有我，我中有你的境地。
去年年底，文汇出版社社长桂国强约我出一本图文兼举的文集。社长的意思是把二者结合在一起，有相得益彰的效果，我十分赞同他的建议，便欣然受命。谁料，编辑这本书工作量浩大，仅把文字和油画、国画作品相对应的组合，就花费了大量的时间。好在装帧设计师陈瑞桢和我的博士研究生高牧星做了大量的工作，容我在这里一并表示谢意！还要感谢女儿黄一迁博士为我文集作序。我的绘画、为文这一路过来，她的感受是最真实的，由她写序也一定是贴切的。
最后，我希望能听到读者对本书最真挚的批评！
父亲爱绘画，也爱写作，此次他又打算将近年来的文字与绘画集合成书，馭名《悠游思语》，令我为之作序。或许，他是觉得我对他再熟悉不过，了解之深，十白是无人能出我之右。
此言非虚。为父亲撰文，也并非首次。十多年前，我便开始为他摇摇笔杆，写写画评，从水墨到油画，从瓷器到纸上油画，陆陆续续近十余篇。七八年前，他出过一本油画集，第一次把我的画评编了进去。或许是深深有种“知父莫若女，知女莫若父”的体会，他自豪地向友人推荐此文。一位友人看完之后，抬头问我，“如果换一个画家，你还能写得那么深刻吗？”我无从回答，但有一点我坚信，我是懂父亲的。以前，我时常掰开父亲的手，同时伸出自己的，将二者端详一番，尔后开玩笑似地说，你看你看，我们的手形状一模一样，只是大小相异，所以我们很像。父亲不屑地说，父女嘛，那是自然！所以，为他写画评，从不需要什么访谈，更无需揣测他的想法，只要问问自己，基本就能得到答案。这是三十余年相处的了解默契，也是骨子里血液相同的自然流露。
然而这次面对的是父亲的文字，似乎略有不同。但是细细想来，父亲的文章一如他的绘画，有着他一：一贯的风格语言。一位作家曾评价父亲的文字，谓之朴素平和却充满感情，颇能打动人心。而他的绘画则被称为“雅俗共赏”。可以说，他的文章与画作不约而同有着极强的亲和力。我所谓的亲和力，是指其文章摈弃了文字的晦涩高深，而绘画则远离了所谓前卫艺术的故弄玄虚，读者或观众能完全读懂他的作品。这种共通性加上其中一贯体现出的场景感，使他的新书《悠游思语》翻看起来文中带画，画中藏文，相互呼应，尤为整体。
在书里，他拋开画笔，取而代之的是以文字作画。特別是他的游记，朴质而不失优美的文字从色彩、形状、气氛入手，形象立体地营造出不同的画面，流畅而欢愉，一如他的个性——开朗热情。这些极富临场感的文字，幻化成一条色彩斑斓的纽带，拉住读者，由文字的主人牵着，将读者不由自主地送入其曾经踏足的地点，分享其时的感受。
在他的画布上，常常会令人感到一种我自倾杯，且君随意的主观性。这种主观性：麦驾子他所看到的客观世界，这种主观性同样是他心情、心境的写照。其笔下的风景、静物、人体，给人第一眼的感觉是出世的，那些建筑、物体、人，静静地躺在画布上，有着不谐人事的高：令、超脱，一如他安之若素的处世哲学。不过仔细品味之后，则又发现了其中的世俗性——那热闹而多姿的颜色，那对美的极致追求，那放飞心灵的欲望都体现出这一特征。出世与入世，似乎是一对矛盾体，然而事实却是，在二者无数次碰撞中，能够深化对人生问题的解悟。从本质上来说，人就是一个复杂的矛盾结合体，即使是以避世完身为宗旨的庄子，骨子里也包含着对多难人生的世故却又睿智的洞察。世俗性的出现，使父亲的作品有了雅俗共赏，妇孺皆晓的普世审美价值。
丰子十岂说，绘画诉于我们的是视觉，从而唤起我们的感情；文学诉于我们的却是表象，从而唤起我们的联想。前者需要的是感觉，后者需要的则是理智。或许这也是《悠游思语》的看点之一：既有视觉上的感官激发，又有思维上的理智运动。当然，这是从读者角度来说，但是对作者而言，父亲向来都是一个遵从内心的人，他的思维方式大多是感性胜于理性，在作画撰文时，主要受感性驱使。这种偏向同样反映在他的文字中。
不过，如果你以为他太过感性，只能写写散文游记，那不妨再看看《悠游思语》中他对于绘画的感悟。其中不乏理性的思考，以及多年经验积累后的倾吐。当然，父亲擅长的还有诗歌，虽然新书中未曾收录，或许是为了能够在不久的将来再一次带给我们惊喜。除了在写作上可以看到父亲广泛的涉猎，在艺术上也是如此：专攻油画的同时他还潜心钻研水墨，顺便画画瓷器，练练书法。
不管是什么样文学艺术形式，父亲创作出来，都具有很高的辨识度，曾经我思索良久，搜肠刮肚，均无法用寥寥几言总结出这种感受，便给他贴了一个“阿忠味”的标签。我至今都认为，这是最妥帖的形容。因为“阿忠”创造的“阿忠味”仅可意会，又无人能替。
父亲一向以文艺自诩，喜好赋诗撰文作画习字，就连唯一不那么文艺的嗜好——喝酒，也要强调自己即使喝醉了亦是“文醉”。因此我曾说，黄阿忠对艺术的态度是“凡心所向，素履所往”的绝佳写照。他对文学艺术的执念，始终贯穿于他的绘画道路及人生游历中。无论条件多艰苦，形势多困窘，凭借对艺术的向往与热爱，他总是不自觉地义无反顾。对他来说，只要有文学和艺术，就永远不会失去阳光。
黄阿忠先生爱绘画，也爱写作，此次他又将近年来的文字与绘画集合成书，取名《悠游思语》。他的文章与他的画作不约而同有着强烈的亲和力，其文章摒弃了文字的晦涩高深，而绘画则远离了所谓前卫艺术的故弄玄虚，这种共通性加上其一贯体现出的场景感，使他的新书翻看起来文中带画，画中藏书，相互呼应，尤为整体。
《悠游思语－－一个画家的画中话和话中画》由黄阿忠著。
《悠游思语－－一个画家的画中话和话中画》收录了一位画家黄阿忠的游记、履历及绘画心得。用文字表达了其对自然、生活以及绘画中所得之感悟，同时，亦透过画作显示出画家的心迹与心境。于话中、画中，交错间体现出画家的睿智与哲理。
在书中，作者阐述了中国画和西洋绘画的关系，并在中国画论方面提出了诸多新颖的观念，比如“外师造化，中得心源”，“象外之象”“离形去智”；强调中国画要特别注重意境和气韵，水墨精神，重在用水，却又要惜墨如金，“纸上数朵花，全靠水当家”等，对中国画创作具有建设性意义。